Amor o belleza

“El amor no es consecuencia de la belleza, sino al revés, porque el amor es ser. Yo amo y soy amado: éste es el qué en la visión de la belleza”

(Pedro Antonio Urbina. Filocalía o amor a la Belleza)

Sublime amistad

“La más sublime forma de amistad es la que se parece al amor que uno siente por sí mismo”

(Aristóteles. E. N. 1166 b)

Iconos: o la luz de la Bondad (saber verlos)

María José Rosales

Platón decía que el copista no hacía más que representar efímera y degradada la realidad.

La naturaleza del Icono es la naturaleza de la imagen, que no niega los sentidos corporales. Sólo es la naturaleza incorpórea desprovista de poder sensorial, lejos de las afecciones del cuerpo. Esta riqueza del poder de su impacto –junto con la música y los cantos- nos produce la solemnidad.

Por eso el artista –pienso yo- no tiene que copiar la naturaleza, sino tomar los elementos y crear una nueva, transponiéndola, aunque –para mí- la estructura interna de un icono pertenece al secreto del iconógrafo, ya que en la sensibilidad de esta habilidad miniaturista hay todo un mundo de mirada interior.

“El mundo se hace transparente al espíritu -nos decía un autor- y los ojos internos hacen votos para ver la verdadera imagen”. Es decir, o tener una mirada polividente (distraída en imágenes diversas), o saber ver la imagen esencial.

Virgen del Signo

La belleza cuando es incorruptible no necesita representación corporal porque tendríamos, entonces, sólo un conocimiento parcial, por otra parte los “pintores” bizantinos no consideraron digno tocar el volumen del cuerpo, pues en él habita el alma. Su imagen debe ser escrita (Palabra) –la escritura es un signo etéreo- ni “pintada”, ni modelada, ni esculpida, el trazo sencillo de las túnicas, y los ojos grandes –ventanas del alma y comunicación- (Espíritu), y, como motivo principal, la sagrada imagen de la Madre del Hijo, con una humanidad plena de sublime ternura, y en esa mujer la inefable paternidad del Padre, a la que llamaron Virgen del Signo.

Por eso la estructura visual del Icono se asemeja a un triángulo. Es una profunda teología de la Santísima Trinidad.

De otra manera dicho, un icono auténtico, por toda la carga de contenido que lleva consigo, será trabajado con las manos, siempre con materiales naturales y nobles, y necesariamente sin ninguna prisa, lenta y contemplativamente. Con un estilo puro. Con su propio lenguaje plástico.

No quiere decir esto que técnicamente no se evoluciones y, sin tratar de desmitificar el valor de los siglos que nos precedieron y siguiendo fiel a sus principios, hoy es difícil encontrarnos pigmentos en polvo de piedras preciosas, pero sí tenemos captaciones de color con otros métodos, y ya no es necesario fijar sólo con yema de huevo, ahora la naturaleza y sus productos y aplicaciones se conocen mejor.

Volviendo a lo que representa el icono, éste, en sí mismo, está desprovisto de peso, en una superficie plana, uniforme, invariablemente de frente. Nadie mira atrás, para ser apto ante Dios (Lc 9, 62, el perfil nunca se representa porque evidencia una duda, o ruptura, e interrumpiría la comunicación de los ojos que siempre veremos con mirada única (Cantar de los Cantares) expectante, y observadora, como queriendo encontrar en el observador una respuesta; por este medio el iconógrafo se une al mismo hombre, es un misterio tripersonal, dentro de su soledad éste se une a Dios, y en Él une a todos los hombres en comunión. A esto le llamamos la Luz de la Bondad. En el icono la posición puede cambiar pero la mirada permanece. La tercera dimensión ayuda a que destaque la figura en una apertura perpetua, y el paisaje se contempla vacio. Todo en ellos está sometido a lo abstracto, desde su escala a los elementos menores.

Por desgracia conservamos muy pocos iconos auténticos sobre madera, la época iconoclasta nos dejó sin ellos. De alguna manera tendríamos que distinguir que la mayoría de iconos que se comercializan no son iconos. De un lado están hechos a troquel –y esto es profanarlos- y, de otro, a lo que llaman plata es un latón bañado ligeramente por electrolisis, perdiendo así su carisma y comprensión, dejando de tener ese “mundo” transparente al espíritu para saber distinguir lo esencial.

Proyección educativa de Alonso Cano y su obra (Signos e interdisciplinariedad para un modelo pedagógico de integración interactiva)

José Luis Font Nogués

Abstract

El presente se trabajo se inicia hace años y es continuamente alentado por educar en el marco del acercamiento al hombre y a la verdad. Conforme a pautas educativas de significación y de interdisciplinariedad, dicho proceso ha ido tomando forma de trabajo con alumnos, profesores y familias, puesto que la educación no es tarea aislada de personas, ni de áreas científicas, axiologías ni hábitos personales o sociales. Las posibilidades de llevar a cabo tareas extraescolares me ha ofrecido siempre un enriquecimiento personal. Dentro de este marco se centra la celebración del IV Centenario del nacimiento de Alonso Cano (1601 – 1667) en Granada.

Exposición en el IV Centenario del nacimiento de Alonso Cano (1601-1667)

Reflexionamos sobre la razón por la que trabajar sobre Alonso Cano y vemos que es una figura por la que se llega a la comprensión de su época, del hombre y del misterio. Es figura atractiva y muy interesante su personalidad humana y artística. Su gran potencia creadora abarca: dibujo, pintura, escultura y arquitectura; además es creador de escuela.

Una aproximación al Neoclasicismo en Málaga

Pedro José Navarro Guillamón  // Arturo Pineda Morcillo

Introducción

El Neoclasicismo representa la segunda recuperación de la antigüedad greco-latina en la historia del arte, surgiendo en Italia en el siglo XVIII.

(Pulsar Una aproximacion al Neoclasicismo en Málaga_Arturo Pineda y Pedro Navarro)

El periodo anterior al Neoclasicismo fue el Barroco y su culminación en el Rococó. El Barroco tardío fue un estilo artístico surgido en Francia en el siglo XVIII como renovación del Barroco y que precedió al Neoclasicismo, caracterizado por una abundancia de la decoración y un gusto muy refinado: importante decoración, que es completamente libre y asimétrica, predominio de la irregularidad, como por ejemplo formas onduladas, y abundancia de elementos naturales, como conchas, piedras marinas y formas vegetales.

El gusto neoclásico aparece en Italia en el siglo XVIII siendo su motor de arranque los hallazgos arqueológicos de Pompeya descubiertos en 1748 y las excavaciones de Herculano a partir de 1711, además de otras excavaciones del Palatino (1720-1727) y la Villa Adriana (1724-1742). Por otro lado, Johann Joachim Winckelmann estudia la Antigüedad clásica y publica “Reflexiones sobre la imitación de los griegos en la pintura y la escultura” (1755) y “Historia del Arte en la Antigüedad” (1764). Winckelmann dedicó su obra, veladamente, al pintor Antonio Rafael Mengs, con el que coincidía en sus preferencias estéticas. A partir de entonces se promueve el nuevo gusto y desde 1770, en la que se aceptan y se difunden a escala internacional los principios de ésta época con las academias.

Un ejemplo de este descubrimiento de la Antigüedad es la pintura “La disputa de griegos y troyanos por el cadáver de Patroclo”, de José de Madrazo, o “El juramento de los Horacios” de Jacques-Louis David , o las esculturas de Cánova.

En arquitectura la catedral de San Pablo en Londres o el Ateneo de Bucarest. Ejemplos de este arte en España son: la Catedral de Cádiz, el Museo del Prado, la Puerta de Alcalá y las fuentes de Neptuno y Cibeles en Madrid.

Características del Neoclasicismo son: actitud didáctica y moral; búsqueda de universalidad en la cultura; importancia de las academias, sociedades, instituciones y publicaciones eran dirigidas por el Estado; exaltación de los placeres sencillos a fin de cubrir la intimidad personal, evitando la muestra de los sentimientos; ir en contra de las exageraciones del Barroco; el hombre como objeto esencial de la literatura.

El lirio, icono de la pureza de la Virgen María

“Como el lirio entre espinas, así es María entre las hijas de Sión. En efecto, ella aventaja a todas por su incomparable pureza. “Muchas de entre ellas acumularon riquezas; pero tú has aventajado a todas” (Proverbios 31, 29). Muchas han seguido a María en el sendero puro de la virginidad, muchas han adquirido la blancura del lirio, pero entre ellas no hay ninguna que no haya tenido que decir de sí misma: “He sido engendrada en la iniquidad, y mi madre me concibió en el pecado” (Salmo 50, 7). Sólo María es Inmaculada en su concepción, Inmaculada en su maternidad divina, Inmaculada en su vida y en su muerte. Como el lirio entre las espinas, así es María entre las hijas de Sión.

Si el ángel que anuncia el misterio de la Encarnación se dirige a María, no me admira: ella es la Virgen por excelencia, missus est angelus… ad virginem (Lucas 2, 26). Si al cumplirse este misterio el mismo Dios contempla con amor la humildad de su sierva, tampoco me sorprende: María es como el lirio en el fondo del valle, lilium convallium (Cantar de los Cantares 2, 1). Y si después la muerte, a la que nada se resiste, no tiene poder alguno sobre María, lo comprendo también. Ella es el tronco y como la raíz de esta generación casta y gloriosa, de la que se ha dicho que triunfa coronada con inmortal diadema (Cfr. Sabiduría 4, 2).

María es el lirio por excelencia. Jesucristo dice, hablando del lirio de los campos, que es más resplandeciente que Salomón en su gloria. Y más preferible que el lirio de los campos es el lirio del cielo: María.”

Roullet, Francisco Alejandro (Monseñor de la Bouillerie). Meditaciones sobre la Eucaristía. Ed. Cuadernos de la tarde. Sevilla 2007, pp 157-158

Feijoo y las Cartas eruditas y curiosas

Alejandro Sánchez Frías

El Neoclasicismo representa la reacción contra el arte rococó, al que considera falso y aparatoso. Se impone la norma clásica y la influencia de las teorías del alemán Wincklemann: “La única belleza es la clásica; el arte no debe hacer sino imitarla. Toma de lo clásico su aspecto externo, sin captar su sentido humanístico. Toda Europa se hace neoclásica y las ciudades se embellecen con grandes edificios y frontones, arcos del triunfo, etc. La escultura pasa a copiar a la griega y la pintura se vuelve rígidamente académica.                  (Pulsar Feijoo)

Surge así un nuevo concepto de literatura. La obra literaria ha de proporcionar gozo estético y utilidad moral, según el viejo principio de Horacio. La literatura se pone al servicio de la reforma social, entendida en el sentido que le daba la época.

El aspecto crítico y los temas de la Ilustración pasan a la literatura: el racionalismo científico, la divulgación de las nuevas ideas, los proyectos de reforma política y económica, la preocupación por el estado del país, la crítica a las costumbres.

El género más utilizado para la crítica social es el ensayo, vinculado al afán didáctico de la época. Con estructura libre y lenguaje moderno, divulgó reflexiones sobre diversos asuntos (decadencia nacional, educación, situación social, etc.).

Una propuesta educativa de Esopo

Se considera que Esopo (Grecia, siglo VI a. C.) consolida el estilo literario breve y con moraleja que llamamos “fábula”.

En la fábula titulada “Los dos perros” da un consejo de constante actualidad:

“Un hombre tenía dos perros; había enseñado a uno de ellos a cazar, y al otro le tenía encomendada la guardia de la casa. Cuando el que cazaba traía algo, lo comían juntamente uno y otro, lo cual llevándolo a mal el cazador, reconvino al otro de que no haciendo nada viniese luego a participar de lo que él cazaba después de trabajar todo el día. No es a mí, respondió éste, sino al amo, a quien debes reprender, pues no me ha enseñado a cazar, sino a comer de lo que cazan otros.

No debe reprenderse a los hijos mal educados que nada saben, sino a sus padres, porque no han procurado enseñarlos.”

Hasta aquí el texto de Esopo, que en formulación positiva podría decir: Efectivamente, en todos los siglos, hoy también, son los padres los que aportan la tarea amorosa de la educación de sus hijos, tarea que -además de indispensable- es hermosa y hace felices a padres e hijos.

Santo Domingo en Soriano (Alonso Cano, 1648-1652)

José Luis Font Nogués

Uno de los temas pintados por Alonso Cano representa el milagro sucedido en Soriano (Italia) la noche del 15 de septiembre de 1530. Es posible que Alonso Cano conociera, no sólo el hecho extraordinario, sino también los lienzos o algunas estampas de óleos de otros autores como, por ejemplo, Zurbarán. La obra de arte titulada “Santo Domingo in Soriano” tiene un boceto del mismo Alonso Cano conservado en la Biblioteca Nacional de Madrid y el óleo se encuentra en el Museo de la Fundación Gómez-Moreno, en Granada.

Santo Domingo in Soriano (Alonso Cano)

Este tema nos lleva al año 1510. Cuenta la tradición que en la ciudad de Cantanzaro, situada al sur de Italia y en la Calabria Ulterior, se encontraba un dominico piadoso y austero llamado Fray Vicente. Un día, bajo inspiración de Santo Domingo, Fray Vicente de Cantanzaro poniéndose en camino llegó a Soriano para fundar un convento en esa ciudad y lo llegó a construir con la ayuda de la Divina Providencia porque tenía gran escasez de medios materiales. Así, se estableció en Soriano una pequeña comunidad de frailes dominicos que vivía casi ignorada. Pero en 1530 cambió el rumbo del monasterio.

En el lienzo recoge el acontecimiento de la noche del 15 de septiembre de ese año, cuando la Virgen se apareció al hermano sacristán del monasterio -Fray Lorenzo da Grottaria- y le entregó una tela con la representación de Santo Domingo. En la aparición, junto a la Santísima Virgen María, están también Santa María Magdalena y Santa Catalina de Alejandría como patronas de la orden de Santo Domingo. Ellas le entregan un lienzo con la imagen de Santo Domingo de Guzmán y esta pintura es colocada en la iglesia del convento, causando la veneración de todas las personas, atrayendo numerosas peregrinaciones y dando renombre al convento que desde entonces se llamó Santo Domingo de Soriano. Desde entonces la imagen milagrosa de “Santo Domingo en Soriano” ha gozado de gran veneración y devoción.

La trayectoria de la música en el Neoclasicismo

Juan Martín Santos

1. Introducción histórica

En el siglo XVIII nace en Europa el complejo movimiento de la Ilustración, que se desarrollará con más intensidad desde 1770 hasta 1815. El Barroco había agotado la capacidad de generar nuevas sensaciones, y la Ilustración aporta el gusto por la armonía y las formas. Llega a la ruptura con el antiguo orden y a un nuevo concepto de la dignidad, libertad y felicidad del hombre. Se inicia como una rebelión contra la religión sobrenatural, la metafísica, la autoridad y el privilegio. La Ilustración defiende la religión natural, la igualdad de derechos, la naturalidad, la libertad y la educación universal.

(Pulsar para ver ppt La trayectoria de la música en el neoclasicismo_Juan Martín)

En este tiempo se redactará la Declaración de los Derechos Humanos, se romperá con el Antiguo Régimen con la Revolución Francesa de 1789, se abolirá la esclavitud, así como se producirá una llamada hacia la tolerancia religiosa. Las ideas son impulsadas por filósofos como Voltaire, Montesquieu o Rousseau. La ilustración se centrará en la naturaleza y los sentimientos naturales del hombre.

2. Nueva concepción de la música

La música en el siglo XVIII intentaba imitar a la naturaleza, ofrecer imágenes sonoras placenteras de la realidad. Debía imitar no los sonidos reales, sino el lenguaje de esos sonidos en cuanto imitaban los sentimientos del alma.